그들의 이름은 품질의 표시이며 예술의 세계에서 멀리 떨어진 사람들에게도 친숙합니다. 각각의 유명한 화가 당시의 특별한 현상이었습니다. 누군가는 개척자 역할을 하고, 다른 누군가는 그 신비에 매료되고, 다른 누군가는 다른 리얼리즘으로 놀라움을 선사합니다.
유명한 화가
예술가는 이미지와 시각적 형식의 언어로 사회와 공개적으로 말할 수 있는 사람들입니다. 그러나 그 인기와 관련성은 전혀 재능에만 의존하는 것 같지 않다. 역사상 가장 유명한 화가는 누구였습니까?
알브레히트 뒤러
독일 화가 Albrecht Dürer(Albrecht Dürer)는 중앙 원근법에 최초로 접근한 사람 중 한 사람으로 묵주기도 축제와 같은 그의 그림에 대해 매우 도식적인 이미지 구조와 상징적 표현을 선택했습니다. 그의 자화상은 세계적으로 유명하다. 그녀의 코트의 반짝이는 컬과 패브릭 환상은 오늘날에도 여전히 수백만 명의 사람들을 놀라게 합니다.
회화 외에도 어린 토끼 등 자연을 그린 수많은 드로잉과 수채화를 그렸습니다. 그러나 그는 유럽 전역에 책 삽화로 배포된 목판화와 구리 판화 덕분에 예술가로서의 돌파구를 찾을 수 있었습니다.
폴 고갱
Paul Gauguin은 1848년 파리에서 태어났습니다. 그는 가장 이국적인 유명한 프랑스 화가 중 한 명입니다. 프렌치 폴리네시아로 이주하기 전 그곳에서 죽을 때까지 머물렀던 그는 퐁아방파의 위대한 화가 중 한 사람이었습니다. 그의 스타일은 인상주의와 일본 판화에서 영감을 받았으며 그의 대형 그림은 현재 오르세 미술관과 같은 주요 박물관에 전시되어 있습니다. 유명한 화가는 1903년 마르키즈 제도에서 사망했습니다.
미구엘 엔젤 부오나 로티
미켈란젤로 또는 실제로 미켈란젤로 디 로도비코 부오나로티 시모니는 1475년 카프레제에서 태어나 1564년 로마에서 사망했습니다. 그는 이 시대를 형성했지만 이탈리아 르네상스의 일부로 간주됩니다. 예술가는 특히 그의 종교 작품, 특히 시스티나 예배당 천장에 그린 그림으로 유명합니다. 이후 그의 기술과 스타일을 다시 받아들여 매너리즘의 시작을 알렸다.
르네상스 시대에는 영원한 저주 대신 창조의 아름다움이 부각되었습니다. 일생 동안 알려진 Miguel Angel Buonarroti도 여기에 헌신했습니다. 그는 해부학적 지식과 완벽에 대한 사랑을 결합했습니다.
교황은 로마에 있는 시스티나 성당의 천지창조에 대한 거대한 천장화를 직접 의뢰했습니다. 아마도 세상에서 가장 유명한 모티브는 아담의 창조일 것입니다. 아담의 창조는 하나님의 손길로 아담이 살아나게 된 것입니다.
미켈란젤로는 또한 조각가처럼 단단한 대리석 블록에 생명을 불어넣을 수 있었습니다. 거인 골리앗에게 곱슬머리를 내미는 용감한 어린 다윗처럼. 레오나르도 다빈치의 라이벌인 미켈란젤로는 조각, 회화, 시에 대한 그의 기술로 르네상스 시대의 인물로도 여겨졌습니다. 그의 영향과 서양 미술 발전에 대한 공헌은 지금까지 유례가 없습니다.
에두아르 마네
그의 유명한 그림 "풀 위의 아침 식사"는 오늘날 전 세계적으로 알려져 있습니다. Edouard Manet의 아버지는 실제로 그가 법학을 공부하기를 원했지만 Manet은 거부하고 Thomas Couture와 함께 그림을 공부하기 시작했습니다. 그는 무엇보다도 초상화, 풍경, 정물 또는 파리의 삶과 같은 그가 그리기로 선택한 모티프를 통해 인상파 운동의 표준을 설정합니다.
그는 에밀 졸라(Émile Zola)나 샤를 보들레르(Charles Baudelaire)와 같은 지식인들에게 둘러싸여 있었지만 그의 동시대 사람들은 오랫동안 그를 비판했습니다. 실제 예술가의 길에 걸맞게 그의 창조적 인 길은 단순하지 않았습니다. 그의 그림은 논란과 스캔들을 일으켰고 1860 년대에 그는 소위 추방자의 전당 (Hall of the Outcast)에 전시되었습니다. 파리 공식 살롱에서 인정받지 못한 예술가들을 위한 대안적 전시였다.
대중을 충격에 빠트린 그의 작품 올림피아의 운명은 이러했다. 화폭의 주인공은 마치 이 손에 가방을 든 듯 왼손을 잡고 바라보는 시선을 그렇게 반항하며, 여자 자신도 자신을 깊이 생각하지 않는다고 썼다. 이미지가 너무 평면적이며 줄거리가 저속하다고 간주되었습니다. XNUMX년 후에 이 캔버스가 세계에서 가장 잘 알려진 캔버스 중 하나가 될 것이라고 누가 생각이나 했겠습니까?
미켈란젤로 메리시 다 카라바지오
이탈리아 바로코 예술가 카라바조는 의심할 여지 없이 역사상 가장 유명한 화가 중 한 명입니다. 성 마태오의 성소와 같은 그의 걸작은 강한 명암 대비가 특징이며 종종 종교적 또는 우화적 장면을 주제화하는 동시에 매우 잔인합니다. .
그는 동등하게 재능이 있지만 덜 알려진 화가 Artemisia Lomi Gentileschi와 같은 많은 후계자를 찾았습니다. 그는 아름다운 이상에 의해 인도된 르네상스 예술가들의 전통을 깨뜨렸습니다. 그의 모델은 신부 들러리가 아니라 더러운 발을 가진 시위대와 술 취한 사람들이었습니다. 이 새로운 스타일은 도발적이었고 많은 인정을 받았습니다.
수많은 예술가들이 그에게서 영감을 얻었고(또한 렘브란트도 언급했듯이), 그의 이름을 딴 자신만의 스타일인 Caravaggism이 나타납니다. 때로는 매우 사실적인 그의 그림은 동시대인과 미래 세대를 형성했습니다.
폴 세잔
Paul Cézanne(1839-1906)은 실제로 은행가로 경력을 시작했지만 현대 회화의 아버지로 많은 사람들에게 알려져 있습니다. 마침내 파리에서 화가로서의 그의 재능이 빛을 발하며 그는 예술계에서 자신의 자리를 찾습니다. 폴 세잔은 어린 시절을 보낸 엑상프로방스의 풍경화로 가장 잘 알려져 있습니다.
원래 Aix-en-Provence 출신인 Paul Cézanne은 가장 위대한 현대 예술가 중 한 명입니다. 그의 예술은 XNUMX세기의 보다 전통적인 스타일과 XNUMX세기의 보다 전위적인 스타일을 연결합니다. 후기 인상파 운동의 일부인 그는 자신의 스타일을 발전시켰고 많은 현대 예술가들과 함께 후속 운동의 발전에 영향을 미쳤습니다.
회화적 표현에 대한 그의 접근 방식은 물체의 평면을 결합하여 거대한 충만함의 집합을 만드는 구성적인 방법을 기반으로 합니다. 그의 아이디어는 나중에 피카소와 브라크에 의해 채택되었습니다. Cézanne 자신은 프랑스 인상파 화가들에게서 영감을 받아 사물을 일련의 모양으로 보는 데 적용했습니다. 그는 자신의 작업에 대한 시각적 인식과 다루는 주제를 모두 고수합니다.
동일한 주제(사과, 오렌지, 산)를 여러 번 페인팅함으로써 작가는 자신의 기술을 완벽하게 관리합니다. 빛과 원근감의 효과를 연구하고 물체의 다양한 면이 어떻게 눈에 띄는지 관찰합니다. 이것들은 물체의 기하학적 구성 요소를 나타내는 컬러 평면으로 재현됩니다.
추상화 게임을 통해 형태를 분리함으로써 화가는 공간의 구성과 관련하여 객체가 경험하는 변화를 포착하려고 시도합니다. 주체와 예술가를 매개로 하는 세잔의 혁명적 사상은 표현주의, 입체파, 미래파에까지 영향을 미칠 것이다.
디에고 벨라스케스
Las Meninas는 미술사에서 가장 유명한 이미지 중 하나이자 Velázquez의 걸작입니다. 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)는 필립 XNUMX세의 딸과 그녀의 처녀들을 그렸고 스페인 왕실의 궁정 화가로서 그림의 가장자리에 자신을 불멸의 존재로 여겼습니다. 그는 교황을 소개하고 궁정 난쟁이들에게 약간의 위엄을 주기까지 했습니다.
그의 희곡 브레다의 항복에서도 외교적 기량을 보였다. 네덜란드에 대한 스페인 군대의 승리 대신 도시에 대한 열쇠의 우호적 인 양도를 보여줍니다. 그의 작품에서 말의 등이 마치 그 장면의 목격자처럼 관객을 향해 뻗어 있는 경우도 있습니다.
이것은 스피너로 더 잘 알려진 그의 그림 아라크네의 우화에서 물레의 스냅샷에서 특히 아름답게 볼 수 있습니다.
오귀스트 르느와르
오귀스트 르누아르(Auguste Renoir, 1841-1919)의 본명은 피에르 오귀스트 르누아르(Auguste Renoir, XNUMX-XNUMX)로, XNUMX세기 말부터 그의 작품으로 찬사를 받아온 화가입니다. 원래 인상파 운동에 할당 될 수 있지만 그는 그것을 멀리 이동하고 점점 더 사실적인 그림을 그립니다.
누드, 인물, 풍경, 심지어 정물까지: 르누아르는 쉬지 않고 노련한 다재다능한 화가입니다. 말년에도 심한 류머티즘으로 몸의 많은 부분을 움직일 수 없게 되자 붓을 손목에 묶고 그림을 그렸습니다.
프랑스 예술가는 여성의 관능과 아름다움에 대한 숭배로 잘 알려져 있습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나는 물랑 드 라 갈레트에서의 춤(1876)으로, 전형적인 인상파 방식으로 도시 거주자들이 술을 마시고, 춤추고, 수다를 떠는 파리의 일요일 밤 야외 파티의 본질을 포착합니다. 즐기세요.
그의 후기 작품은 전통적인 주제, 초상화 또는 구상적 구성을 선호합니다. 이러한 변화에도 불구하고 르누아르는 누드의 표현에 충실합니다. 그녀의 여성성에 대한 매우 관능적인 접근 방식은 Rubens에서 영감을 받았습니다. 그의 경력의 끝은 여성 누드의 상당히 많은 생산으로 표시될 것입니다. 테마 변경은 스타일 변경에 응답합니다.
얀 베르메르
이른바 황금시대인 2003세기에는 네덜란드 북부에서 예술 무역이 번성했습니다. Rembrandt, Van Delft, Jan Vermeer(Johannes Vermeer)와 같은 화가들은 인기 있는 초상화가가 되었습니다. 후자는 진주 귀걸이를 한 소녀로 시청자들을 놀라게 할 수 있었다. XNUMX년에는 그의 신비한 초상화를 바탕으로 한 영화가 개봉되기도 했습니다.
술을 마시는 신사 숙녀 같은 이미지 또는 많이 논의되는 회화의 비유는 오늘날 의류와 사람들의 세계에 대한 역사적 증언으로 볼 수 있습니다. 그것은 단지 밝고 밝은 색상에 관한 것이 아니라 무엇보다도 일상 생활에서 디테일과 초점에 대한 눈에 관한 것입니다. 역사적 사건은 평범한 사람들, 장인, 하녀, 심지어 술 취한 사람들과 이미지를 공유해야 했습니다.
Jan Vermeer는 저소득층 주택과 중산층 생활의 내부 묘사를 전문으로 한 또 다른 네덜란드 화가였습니다. 생전에는 인정을 받지 못했으나 1860년에 작품이 재발견되었다. 이후 그의 그림 중 일부는 다른 화가의 작품으로 오인되기도 했지만, 미술 연구자와 역사가들의 노고로 얼마 지나지 않아 진정한 작가가 밝혀졌다.
현재까지 베르메르의 붓에 속하는 1665개의 알려진 작품. 그의 그림 중 가장 유명한 것은 "진주 귀걸이를 한 소녀"(XNUMX)입니다. 그림은 기이한 옷을 입은 소녀의 기민하고 불안한 표정과 보통 진주로 여겨지는 커다란 반짝이는 귀걸이를 매료시킨다.
앙리 마티스
Henri Matisse는 1869년 프랑스 남부에서 태어났습니다. 사실 그는 부모의 농장을 물려받았어야 했지만, Matisse는 파리에서 법학을 공부하기로 결정했습니다. 1889년 그는 법률 보조원으로 잠시 일했으며 동시에 École Quentin de la Cour에서 이른 아침 드로잉 수업을 들었습니다.
1890년에 그는 본격적으로 그림을 그리기 시작했고 École des Beaux-Arts의 입학 시험을 준비하고 싶었지만 통과하지 못했습니다. Matisse는 1905년 여름을 André Derain과 함께 보냈고 그들은 함께 예술사에 Fauvism으로 기록될 새로운 스타일을 개발했습니다.
프리다 칼로
예술가로 활동했던 여성들은 대부분 오래된 교과서에 등장하는 주변 인물들이다. 남성 영역으로 진출한 사람은 Frida Kahlo입니다. 멕시코인은 생생하고 다채로운 자화상으로 유명합니다.
그의 이미지는 고통과 의지에 대해 열정적이고 감정적으로 이야기합니다. 그녀는 그녀의 그림, 그녀의 심각한 버스 사고(El pilar roto), 그녀의 유산과 남편 디에고 리베라와의 상심(Las dos Fridas)에서 그녀의 외상적 경험을 처리했습니다.
페미니스트들은 그들의 여성적인 경험을 묘사한 것을 축하합니다. 그의 출신국에서 그는 지역 문화를 유럽에 가져온 아이콘입니다. 그곳에서 그는 André Breton 주변의 초현실주의 그룹 사이에서 큰 존경을 받았습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 일부는 가시 목걸이와 벌새가 있는 자화상(1940)입니다. 그것들은 그가 상징주의를 자유롭게 사용한 예로서 가장 주목할 만하다. 뾰족한 고리와 생명이 없는 벌새는 그녀의 내면의 고뇌를 상징했을 것입니다.
뭉크 에드워드
Edvard Munch는 1863년 노르웨이 Hedmark의 Loten에서 태어나 1944년 오슬로에서 사망했습니다. 그는 유명한 현대 화가 중 한 명으로 현대 미술 시대의 표현주의 회화 방향의 선구자로 간주됩니다. 그는 XNUMX세기 상징주의의 영향을 많이 받은 심리적 주제와 뉘앙스로 유명합니다. 그의 작품은 XNUMX세기 초 독일 표현주의에 지대한 영향을 미쳤다.
예술가 에드바르 뭉크는 주로 그의 그림 "절규"로 미술계 밖에서 알려져 있습니다. 그러나 실제로는 같은 주제를 묘사하는 다른 이미지의 시리즈입니다. Scream(1893-1910)에는 오일과 파스텔의 두 가지 버전으로 네 가지 버전이 있습니다.
<절규>는 뭉크가 어느 날 밤 집에 걸어가다가 뒤돌아본 후 그린 오렌지색 배경에 석화된 감정이 깃든 아주 평범한 얼굴로 그려진다. 그를 놀라게 보았다.
뭉크의 귀환 경로는 도살장과 작가의 여동생이 머물고 있던 정신질환자 병원을 거쳐갔다. 동시대 사람들은 환자의 신음 소리와 죽은 동물의 울음 소리가 참을 수 없다고 썼습니다. 절규는 외로움, 절망, 실존적 악몽을 모티브로 하여 XNUMX세기 예술의 일종의 예언이 된 것으로 여겨진다.
에드바르 뭉크의 "절규"의 이미지 또는 주제는 여러 번 사용되었으며, 예를 들어 잘 알려진 "절규" 영화 시리즈의 가면에도 사용되었습니다. 따라서 오늘날에는 작가 자신보다 더 잘 알려진 다양한 머천다이징 아이템도 존재한다.
클로드 모네
르누아르, 드가, 세잔, 마네, 피사로 그리고 무엇보다도 모네는 세계에서 유명한 화가들입니다. 모네의 인상주의 예술 양식은 XNUMX세기 초의 새로운 예술 운동인 소위 "인상주의"에 이름을 붙였습니다. 그의 작품에서는 자연경관, 색채, 빛의 인상이 항상 전면에 있었다. 이것은 또한 충동적인 회화 스타일과 터치와 같은 페인트 적용에 영향을 미쳤습니다.
인상파의 창시자 중 한 명으로 종종 언급되는 클로드 모네는 프랑스 화가이자 프랑스 인상파 운동의 가장 훌륭하고 재능 있는 개척자 중 한 명입니다. 사실 '인상파'라는 용어는 그가 '돋는 태양'이라는 작품을 발표한 이후에 채택되었습니다.
모네는 인상주의의 가장 저명한 대표자로 간주됩니다. 그는 주인공이 빛과 색이고 선이 사라지고 그림자가 파란색이 될 수 있는 이 스타일에 평생을 바쳤습니다. 그의 루앙 대성당은 태양 광선을 통해 물체를 보면 물체가 어떻게 변하는지 보여줍니다. 대성당은 떨고 광선 속에 산다.
모네는 자연의 느낌보다는 자연의 인상을 전달하기 위해 많은 실험을 했고, 바로 이 점에서 진실을 봤습니다. 그의 가장 유명한 작품은 XNUMX여 점의 연작 Les nymphéas(The Water Lilies)입니다. 프랑스 지베르니(Giverny)에 있는 프랑스 예술가의 집에 있는 정원을 표현한 것. 이 연작은 그의 생애 마지막 XNUMX년 동안의 작업의 주요 방향이었다.
유명한 수련, 시골의 아침 식사, 멀리서 바라보는 루앙 대성당과 같은 많은 이미지를 눈의 개별 색상 포인트가 이미지로 귀결될 때만 실제로 볼 수 있습니다. 1840년 파리에서 태어나 1926년 지베르니에서 사망했다.
르네 마그리트
René Magritte는 일상 세계에 대한 화려한 인식을 전달하기 위해 가정용품을 사용하는 것으로 유명한 벨기에 초현실주의 화가였습니다. 그는 또한 관객이 현실에 대한 선입견을 깨도록 격려하는 작품을 만드는 것으로 유명했습니다.
이 원칙을 고수하는 그의 유명한 작품 중 하나는 "Ceci n'est pas une pipe"(이것은 파이프가 아닙니다)라는 문구가 새겨진 연기가 나는 파이프인 이미지의 배반(928-1929)입니다. 단순히 이미지일 뿐이기 때문에 파이프가 아닙니다. 우리가 알고 있는 것을 현실로 바꾸는 이러한 기법과 스타일은 그의 모든 작품과 사상에 공통적이었습니다.
에드거 가스를 제거하다
에드가 드가(1834~1917)는 처음에는 아버지의 뜻에 따라 법학을 공부했지만 나중에는 큰 사랑인 그림으로 돌아왔습니다. 그는 미술 학교의 회화 과정에서 그림을 배운 것이 아니라 루브르 박물관의 위대한 작품을 모방하여 그림을 배웠습니다.
일반적으로 인상파 미술 운동의 일부로 간주되지만 이 분류는 여전히 논란의 여지가 있습니다. 이 흐름의 모든 특성을 따르지는 않지만 약간의 전위적 자유를 허용합니다. 화가는 특히 초상화와 춤 장면으로 유명합니다.
파블로 피카소
"모든 사람이 피카소처럼 그림을 그릴 수는 없다"는 유명한 표현입니다. 스페인 태생의 화가는 청년 시절 파리로 건너가 마티스와의 인연을 통해 야수파에 대한 동경을 키웠다. 이것은 순수하고 강한 모양과 색상의 철수를 의미했습니다. 그의 첫 번째 작품인 Les Demoiselles d'Avignon은 오늘날 세계적으로 유명합니다. 처음에는 친구들도 그 깊은 의미를 이해하지 못했습니다.
스페인 예술가는 창조적 인 삶을 살았고 나중에 XNUMX 세기의 가장 영향력있는 유명한 화가 중 한 명이되었습니다. 그는 그림을 그렸을 뿐만 아니라 조각가, 시인, 극작가이기도 했습니다. 그리고 이 모든 것이 다른 많은 활동에 더해집니다.
이 유명한 여성의 군주는 뮤즈의 잦은 교체뿐만 아니라 예술적 방향의 빈번한 변경으로도 유명해졌습니다. XNUMX세기 초 그는 얼굴 대신 이국적인 부족의 가면을 그렸을 때 입체파, 추상화와 초현실주의가 있을 때 "아프리카 스타일"로 많은 작품을 만들었습니다.
그의 작품의 정점은 고통과 야만의 상징인 전쟁으로 파괴된 도시에 헌정된 게르니카라고 할 수 있습니다. 초상화에서 전체 얼굴과 프로필을 결합하고 사물을 단순한 그림으로 나누고 놀라운 모양으로 모으는 아이디어를 생각해 낸 사람은 피카소였습니다.
그는 미술의 전체 풍경을 바꾸어 혁명적 사상으로 풍요롭게 했으며, 세잔과 마찬가지로 색을 형태(입체파)로 사용하기 시작했으며, 게르니카에서 스페인 내전을 감각적으로 묘사하는 데도 사용되었습니다.
1970년 이 작품은 베트남 전쟁 반대 시위에 쓰였으며, 피카소가 1949년 파리에서 열린 세계평화대회를 위해 디자인한 평화의 비둘기처럼 영원의 흔적을 남겼다. 잘 알려진 화가는 일생 동안 세계적으로 유명했지만 사후 인정을 받지 못했습니다.
Anders Zorn
Anders Zorn은 스웨덴 모라 태생의 화가이자 조각가입니다. 그는 1875년부터 1880년까지 스웨덴 스톡홀름에 있는 스웨덴 왕립 예술 아카데미에서 공부했습니다. 1880년에 Anders Zorn은 전시회에서 슬픔에 잠긴 소년의 초상화를 공개했는데, 이는 그의 경력을 시작하고 많은 커미션으로 이어졌습니다. 그는 계속해서 국제적 성공을 누렸고 당대 가장 찬사를 받은 초상화 화가 중 한 명이 되었습니다.
XNUMX세기로 접어들면서 Anders Zorn의 성공은 John Singer Sargent를 포함하여 당대 가장 유명한 예술가들의 성공에 필적했습니다. 그의 모델 중에는 세 명의 미국 대통령이 있습니다. 그로버 클리블랜드, 윌리엄 태프트(오늘날 백악관에 초상화가 남아 있음), 마지막으로 인쇄된 시어도어 루즈벨트입니다. Anders Zorn은 야외 누드화와 생생한 물 묘사로도 유명합니다.
그의 가장 중요한 작품 중 일부는 스톡홀름의 국립 박물관(National Museum of Fine Arts)에서 볼 수 있습니다. 그 중 San Juan의 Danza de San Juan(1897)은 성 요한의 날을 기념하는 시골 축제의 저녁 빛 속에서 무용수들의 공연입니다. 이것이 그가 미국의 유명한 화가 중 한 명인 이유입니다.
렘브란트 반 Rijn이
Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606 – 1669)은 바로크 시대의 네덜란드 예술가입니다. XNUMX세기에 그의 작품은 저지대의 황금시대에 무너졌습니다. 그는 특히 일련의 자화상을 통해 예술 세계를 형성했습니다. 그는 특히 그의 그림에 특별한 대조를 제공하는 Caravaggio의 밝고 어두운 그림에서 영감을 받았습니다. 그의 다재다능함으로 인해 그는 예술 역사상 가장 위대한 시각 예술가로 널리 인정받고 있습니다.
그의 다재다능함 덕분에 풍경과 초상화에서 역사적 사건과 성경 장면에 이르기까지 모든 것을 그릴 수 있었습니다. 그의 가장 인기 있는 작품 중 하나인 Night Watch(1642)는 현재 암스테르담 국립 박물관에 있습니다. 그 그림은 그 크기, 군사 초상화에서 흔히 볼 수 있는 움직임의 유희, 그리고 유명한 화가가 특히 솜씨를 발휘했던 빛과 그림자의 사용 등 이 그림을 돋보이게 하는 특별한 특성을 가지고 있습니다.
렘브란트는 꾸밈이나 니스 없이 세상을 있는 그대로 그렸지만, 그는 매우 정신적으로 그렇게 했습니다. 렘브란트의 캔버스에는 황금빛 빛으로 비춰진 인물들이 나오는 황혼이 있습니다. 그의 그림 "유대인 신부"의 인물에서 볼 수 있듯이 자연 스러움이 아름답습니다.
가장 위대한 네덜란드 화가의 운명은 발판과 같습니다. 무명에서 부와 인기로 상승하고 가난에 빠져 죽습니다. 그의 동시대 사람들은 그를 이해하지 못했습니다. 렘브란트는 인간의 감정과 경험을 표현했는데 전혀 유행하지 않았지만 오늘날 그는 세계에서 유명한 화가 중 한 명입니다.
레오나르도 다빈치
레오나르도 다빈치라는 이름을 지으면 모나리자가 바로 떠오릅니다. 오늘날 그것은 아마도 세계에서 가장 유명한 초상화일 것입니다. Lisa del Giocondo(Giocondo의 아내)로 밝혀진 신비한 미소의 여인은 반복되는 토론을 유발하며 영화인들의 상상력을 자극한다.
그의 해부학 연구와 무기 기술 도면으로 그는 당대 가장 강력한 사람인 밀라노의 루도비코 스포르차 공작에게 영감을 주어 그를 후원자로 끌어들일 수 있었습니다. 바위의 처녀(Virgin of the Rocks)나 어민을 안고 있는 여인(Lady with Ermine)과 같은 그림은 여성에 대한 신중한 시선과 능숙한 색상 처리에 대한 그의 선호를 보여줍니다.
최후의 만찬 때에만 그는 젖은 석고에 그림을 그렸어야 했습니다. 벽화의 색상은 건조 후 더 옅어졌지만 더 안정적이었습니다. 즉, 중앙 원근법을 능숙하게 사용했다는 놀라운 증거입니다.
Leonardo da Vinci는 건축, 과학, 음악, 공학, 천문학, 지질학 및 기타 여러 분야의 연구에도 참여한 화가, 조각가, 수학자 및 발명가였습니다. 그래서 그는 당시 거의 모든 분야에 대한 지식을 가지고 있었기 때문에 "르네상스 맨"이라는 이름을 얻었습니다.
그의 그림 덕분에 세계 회화는 새로운 수준의 품질에 도달했습니다. 그는 원근법을 이해하고 사람의 해부학 적 구조를 이해하면서 사실주의로 나아갔습니다. 그는 그림 «Vitruvian Man»에서 이상적인 비율을 나타냅니다. 오늘날 그것은 예술적 걸작이자 과학 작품으로 간주됩니다. 그는 르네상스의 유명한 화가들 사이에 단연코 있습니다.
산드로 보티첼리
산드로 디 마리아노 필리페피(Sandro Di Mariano Filipepi) 또는 단순히 보티첼리(Botticelli)는 1445년에 태어나 1510년에 사망한 이탈리아 화가였습니다. 보티첼리는 원래 금 팬이었지만 나중에 다양한 이탈리아 예술가의 스튜디오에서 그림을 그리는 법을 배웠습니다.
1481년 그는 교황 식스토 XNUMX세로부터 시스티나 예배당을 장식하도록 위임받았다. Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio 및 Perugino와 함께 Botticelli는 이후 이탈리아 회화의 역사를 형성했습니다. 그의 작품은 여전히 매일 수천 명의 방문객에게 감탄을 자아냅니다.
호아킨 소 롤라이 바스 티다
Joaquín Sorolla y Bastida는 발렌시아 태생의 스페인 화가로, 빛과 인간의 존재가 특권적인 역할을 하는 그의 조국, 특히 해안의 풍경뿐만 아니라 초상화를 그리는 데 두각을 나타내고 있습니다. 1894년 파리 여행을 통해 인상파 그림을 접하고 그의 스타일에 혁명을 일으켰습니다.
Sorolla의 가장 전형적인 스타일에서 기술적인 디자인은 인상주의적이며, 반사, 그림자, 투명도, 강도가 있는 해변이나 풍경 배경에 대해 인간의 모습, 어린이, 드레스를 입은 여성의 존재로 표시됩니다. 빛과 이미지의 색상은 피사체를 향상시키는 데 중요한 역할을 합니다. Joaquín Sorolla는 스페인 인물의 초상화를 많이 그렸던 매우 활동적인 예술가입니다.
그의 유쾌하고 쉬운 스타일은 끊임없는 요청을 받아 편안한 사회적 지위를 즐긴다. 그의 명성은 스페인 국경을 넘어 유럽과 미국 전역으로 퍼져나가 여러 차례 전시회를 가졌습니다.
세기가 바뀌면서 Sorolla는 서구 세계에서 가장 위대한 살아있는 유명한 화가 중 한 사람으로 인정받았으며 여러 주요 국제 전시회에서 수많은 금메달을 수상했습니다. 그의 작품 대부분은 그에게 헌정된 전시회가 열리는 마드리드의 소롤라 박물관에 전시되어 있습니다.
앤디 워홀
앤디 워홀(Andy Warhol)은 팝아트(Pop Art)라는 스타일로 가장 잘 알려진 미국의 시각 예술가로, 그의 작품에서 화려한 영화 산업, 광고, 대중 문화 및 예술적 표현 간의 관계를 탐구했습니다. 워홀은 대중 문화의 유명한 화가의 수장입니다.
그의 가장 유명한 작품은 각각 높이 1962cm, 너비 32cm인 51개의 조각으로 구성된 Campbell's Soup Cans(41)입니다. 각 요소는 별도의 이미지로 간주될 수 있습니다. 반자동 스크린 인쇄를 이용하여 개별화한 작품은 팝아트의 발전과 대중문화와 시각예술의 융합에 크게 기여한 오늘날의 시각예술입니다.
Andy Warhol은 수십 개의 작품을 만들었으며 50년대의 대표적인 문화 상인 중 한 명입니다. 그러나 대중의식 속에서 그는 동일한 대상을 재현한 캔버스의 작가로 남을 것이 거의 확실합니다. 헐리우드 성차별 시대의 상징 마릴린 먼로.
빈센트 반 고흐
Vincent Van Gogh는 가장 유명한 화가 중 한 명으로, 그의 표현적이고 감정적인 그림 스타일은 그의 시대에 거의 열정을 찾지 못했기 때문에 놀랍습니다. 후기 인상파 화가의 조잡한 붓놀림과 임파스토 물감의 적용, 항상 다채롭지만 여전히 신중한 색상 선택은 오늘날 다시 한 번 높은 평가를 받고 있으며 세계에서 가장 비싼 경매장에서 거래되고 있습니다.
그가 선택한 주제는 화려하지 않은 가구, 꽃, 풍경 및 수많은 자화상이었습니다. 그러나 그가 자신의 노란 해바라기 시리즈, 밤의 카페 테라스, 별이 빛나는 밤 및 그의 침실에 대한 그의 비전을 포스터, 엽서 및 포스터에서 볼 수 있는 것은 주로 미국 미술 애호가들의 마케팅 덕분입니다. .
표현력이 풍부한 초상화든 많은 논의가 된 자살 시도로 인해 잘린 귀와 죽음에 대한 미스터리이든 그의 이름은 역사상 가장 유명한 화가 목록의 맨 위에 있습니다.
처음에 반 고흐의 그림은 암울했습니다. 그 책에서 그는 가난한 사람들에 대한 무한한 동정을 표현했습니다. 그리고 그의 첫 번째 걸작은 바로 "감자 먹는 사람들"이었습니다. 그 안에서 우리는 힘들고 단조로운 일에 지친 사람들을 봅니다. 너무 피곤해서 그들 자신이 감자처럼 되었습니다. 반 고흐는 현실적이지 않고 사람의 모습을 과장하여 본질을 전달했습니다.
그러나 시청자들은 그의 밝고 밝은 색상으로 반 고흐를 좋아합니다. 인상파 화가들을 만난 후 그의 그림은 다채로워졌고 그 이후로 많은 꽃다발, 여름 들판, 꽃이 만발한 나무를 그렸습니다.
반 고흐 이전에는 누구도 색상의 도움으로 자신의 감정과 감정을 표현하지 않았지만 그 이후에는 많은 사람들이 자신의 감정과 감정을 표현했습니다. 결국 그는 모든 표현주의자들에게 영감을 주는 사람입니다. 몇 년에 걸쳐 자살을 하게 될 깊은 우울증에 빠진 선생님이 '해바라기'처럼 유쾌한 작품을 그렸다는 것도 놀랍다.
별이 빛나는 밤(1889)은 그의 가장 유명한 작품 중 하나로서 프랑스의 정신 병원에 머무는 동안 그린 것입니다. 그것은 밝은 노란색 태양이 떠오르는 가상의 마을의 창 전망을 묘사합니다.
이것은 예술계뿐만 아니라 전 세계에서 가장 잘 알려진 그림 중 하나입니다. 그러나 진정한 명성은 그의 사후인 1890년대 후반에 그의 작품이 세상에서 가장 비싼 작품 중 하나로 여겨지며 가장 유명한 화가 중 한 명입니다.
제로니무스 반 아켄 - 히에로니무스 보쉬
북유럽의 대표적인 르네상스 예술가 중 한 사람은 스페인어로 El Bosco로 알려진 Jheronimus van Aken입니다. 전체 회화 중 XNUMX여 점만이 남아 있음에도 불구하고 그의 그림의 형태는 확실히 알아볼 수 있습니다. 그는 다면적이고 상징과 암시로 가득 찬 진정한 르네상스 예술가였습니다.
그의 그림은 XNUMX세기의 사람들보다 보쉬의 동시대인들에게 훨씬 더 많은 것을 말해주고 있다. 그는 성서와 중세 민화의 모티브를 풍부하게 사용했기 때문에 이것이 보쉬의 그림이라는 것을 이해하기 위해 미술 평론가가 될 필요는 없다.
예를 들어, Bosch의 가장 유명한 작품에서 삼부작 "세속적 기쁨의 정원"에는 많은 세부 사항이 포함되어 있습니다. 일곱 가지 대죄를 설명하고 여러 번 재현되며 죄인을 기다리는 지옥의 고통에 대해 자세히 알려줍니다( 오른쪽 ). 여기에서 주인은 사후에 기다리고 있던 압제적인 환상으로 농민과 동시대의 숭배를 겁주기 시작했습니다.
왼쪽 창은 아담과 이브의 타락을 보여줍니다. 반은 인간, 반은 돌연변이, 거대한 새와 물고기, 전례 없는 식물과 수많은 벌거벗은 죄인들. 이 모든 것이 여러 그림 구성으로 혼합되고 짜여져 있습니다. 그림의 기발함, 수많은 작은 세부 사항 및 예술가의 구체적인 상상력은 캔버스의 작가가 누구인지 의심의 여지가 없습니다. 의심할 여지 없이 모든 시대의 유명한 화가 중 한 명입니다.
아이디어를 표현하기 위해 그렇게 많은 세부 사항을 사용하는 다른 예술가는 없습니다. 어떤 아이디어? 이 문제에 대한 합의가 없습니다. 그들은 논문과 책을 엘 보스코에게 헌정하고 그의 캐릭터에 대한 해석을 찾았지만 결론에 도달하지 못했습니다.
그러나 Bosch는 그의 경력을 통해 진화했습니다. 그리고 그의 삶이 끝날 무렵에는 대규모의 다중 인물 작품이 등장 인물에 대한 매우 가까운 접근 방식으로 대체되었습니다. 그래서 그들은 거의 프레임에 맞지 않습니다. 이것이 십자가를 짊어진 그리스도에게서 눈에 띄는 것입니다. 보쉬가 자신의 캐릭터를 멀리서 살펴보든 가까이서 살펴보든 그의 메시지는 동일합니다. 그는 인간의 악덕을 보여주고 그것을 보여줌으로써 우리가 우리의 영혼을 구원하도록 돕습니다.
폴 루벤스
플랑드르 화가 Pieter Paul Rubens(1577-1640)는 당대의 가장 위대한 화가 중 한 사람입니다. 많은 화가들이 그를 위해 일하기를 원했기 때문에 루벤스는 당대 가장 큰 그림 스튜디오 중 하나를 가지고 있었습니다. 그는 "십자가의 하강"과 같은 수많은 초상화와 종교화를 그렸고 전 세계의 다른 화가들에게 영감을 주었습니다. 그는 플랑드르 바로크 회화의 거장으로 여겨지며 네덜란드의 유명한 화가 중 한 명입니다.
라파엘 산 치오
르네상스 시대의 가장 유명한 대표자는 조화로운 구성과 서정성에 놀라움을 금치 못합니다. 매력적인 사람을 그리는 것은 캔버스에 올바르게 배치하는 것만큼 어렵지 않습니다. 이곳은 라파엘로가 거장이었던 곳입니다. 아마도 세계에서 라파엘만큼 동료들에게 영향을 미친 교사는 없을 것입니다.
당신의 그림 스타일은 끊임없이 악용될 것입니다. 그의 캐릭터는 한 세기에서 다른 세기로 방황하며 XNUMX세기 초에만 관련성을 잃게 됩니다. 모더니즘과 아방가르드의 시대에 라파엘 산치오를 떠올리면 그의 아름다운 마돈나가 먼저 떠오른다.
그의 짧은 생애(38세) 동안 그는 자신의 이미지로 XNUMX점의 그림을 그렸습니다. 이것은 흔한 일이 아닙니다. 가장 유명한 것은 시스티나 마돈나(Madonna di San Sisto)입니다. 우리는 마른 도상학적 처녀가 아니라 존엄과 영적 순결로 가득 찬 부드러운 어머니를 봅니다. 장난꾸러기 천사는 매력이 넘치는 어린아이 같은 자발성의 충실한 초상화입니다.
Raphael Sanzio의 가장 비싼 작품은 놀랍게도 스케치된 "젊은 사도의 머리"였습니다. 소더비 경매에서 XNUMX만 달러에 팔렸습니다. 그의 부드러움과 자연스러움으로 동시대 사람들에게 높이 평가받은 이탈리아 화가는 오늘날 매우 귀중하며 가장 높이 평가되는 유명한 화가 중 한 명입니다.
프란시스코 데 고야
프란시스코 데 고야(Francisco de Goya, 1746-1828)는 로코코 시대의 위대한 스페인 화가이자 동시에 유럽 현대 회화 분야의 선구자 중 한 명입니다. 고야는 당시의 진정한 증인으로서 스페인을 당시의 모습으로 그린 것으로 알려져 있습니다. 그가 가장 좋아하는 주제는 전쟁과 불의에 대한 비판적 표현과 스페인의 일상 생활에 대한 이미지입니다.
Goya는 젊음의 열정과 이상주의로 경력을 시작했습니다. 그는 심지어 스페인 궁정의 화가가 되었습니다. 그러나 곧 그는 세상의 탐욕, 어리석음, 편협함을 보고 그 삶에 질려버렸습니다. 고야가 왕실의 공허한 표정과 혐오스러운 오만함을 누그러뜨리려는 시도조차 하지 않은 그의 그룹 '왕가의 초상'을 보자.
고야는 그의 시민적, 인간적 위치를 반영하는 많은 캔버스를 만들었습니다. 그리고 세상은 무엇보다도 그를 대담한 예술가이자 진실을 사랑하는 사람으로 알고 있습니다. 그 증거는 단순히 "아들을 집어삼키는 토성"이라는 놀라운 작품입니다. 이것은 신화적 줄거리에 대한 냉혈하고 극도로 정직한 해석입니다. 이것은 그의 아들들이 자신을 전복시킬 것을 두려워하는 미친 크로노스의 모습이었을 것입니다.
지오토 디 본 도네
조토 디 본도네(Giotto di Bondone)는 르네상스 이전의 최초의 거장 중 한 명으로 여겨지며 화가, 건축가, 조각가 등 보편적인 재능을 가지고 있었습니다. Cimabue의 학생이자 미켈란젤로가 존경하는 Dante의 친구인 Giotto는 비잔틴 전통에서 벗어나 경건한 이미지를 현대화하는 데 도움을 주었습니다. 고대로의 회귀, 자연주의적 감각과 중세 후기 이후의 감각을 결합한 그의 예술은 근본적으로 인간을 지향한다.
지오토는 성 프란치스코의 생애에 바쳐진 아시시 상부 교회의 유명한 프레스코화의 저자로 알려져 있지만, 이를 증명할 문서는 없습니다. 그것은 또한 Trecento의 가장 아름다운 업적 중 하나인 파도바의 Scrovegni Chapel의 기원이기도 합니다.
지오토의 예술은 모자이크에서 후퇴한 기법인 프레스코의 승리를 상징합니다. 고도로 체계화되고 정적인 비잔틴 양식의 그림이 눈에 띈다. 지오토는 반드시 해부학적 차원이 아니라 감정적 차원에서 캐릭터를 사실적으로 표현함으로써 혁신합니다. 신성에 대한 그의 비전은 프라 안젤리코와 같은 신비롭거나 초자연적인 것이 아니라 인간과 지상 생활의 단순함으로 향합니다.
구스타브 쿠르 베트
구스타브 쿠르베는 프랑스의 사실주의 화가입니다. 작가는 작품을 하는 동안 당대와 동시대인의 세계를 표현하려 했고 금기를 깨고 사람들에게 충격을 주기까지 했다.
예를 들어, 여성의 성기를 보여 현재 오르세 미술관에 전시 중인 작품 '세계의 기원'(The Origin of the World)은 낭만주의 작품에서 재빨리 탈피하고 예술의 세계를 뒤집어 놓았다. 이후 유명 화가의 선별된 그룹에.
살바도르 달리
사이키델릭한 화풍으로 단연 돋보이는 살바도르 달리(Salvador Dalí, or Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech)는 1904년에 태어나 1989년에 사망했다. 스페인의 위대한 예술가는 짧은 시간에 미술계를 유혹하며 초현실주의의 대표적인 인물이 되었다. . 그의 그림은 가장 다양한 꿈을 보여줍니다. 각각은 다른 것보다 더 혼란스럽습니다. 달리는 의심할 여지 없이 XNUMX세기의 가장 유명한 화가 중 한 명입니다.
Dalí는 터무니 없이 기발한 미학으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그의 예술은 그 자신의 연장선이었지만, 그의 스페인적 표현력과 관심에 대한 사랑을 감안할 때, 그는 그의 괴상한 행동으로 동등하게 칭송을 받았습니다. 그의 가장 유명한 작품은 기억의 지속(1931)입니다.
이미지의 해석 중 하나는 사람이 잠들 자마자 시간이 녹기 시작하는 방법입니다. 살바도르 달리가 이 그림을 그리는 데 정확히 어떤 영감을 주었느냐는 질문에 그는 녹는 시계의 모양이 태양 아래 녹는 카망베르 치즈에서 영감을 얻었다고 대답했습니다.
이반 아이바조프스키
Aivazovsky는 세계의 유명한 화가 중 정당하게 순위가 매겨집니다. 그의 "Ninth Wave"는 규모면에서 놀랍습니다. 요소의 위대함, 절망감. 소수의 폭풍 생존자들은 탈출할 수 있을까요? 따스한 햇살이 내리쬐는 아침 햇살은 미묘한 희망을 주는 듯 한데, 아이바조프스키는 역사상 가장 중요한 해양 화가라고 할 수 있습니다.
아무도 해양 요소의 본질을 이렇게 다양한 방식으로 그린 적이 없었고, 아무도 그렇게 많은 해상 전투와 난파선을 묘사하지 않았습니다. 동시에 Aivazovsky는 배의 장비를 철저히 설명하는 다큐멘터리 영화 제작자이기도 했습니다. 그리고 약간 꿈꾸는 듯하지만 사실 의도적으로 Ninth Wave는 잘못 칠해져 있습니다. 넓은 바다에서 파도는 앞치마처럼 구부러지지 않습니다. 그러나 추가된 드라마를 위해 Aivazovsky는 그녀를 이렇게 그렸습니다.
앙리 드 툴루즈 - 로트렉
1864년 프랑스 남부에서 태어나 1901년 36세의 나이로 사망한 앙리 드 툴루즈 로트렉은 XNUMX세기 말 파리의 삶을 형성한 위대한 예술가입니다. 화가이자 만화가는 뛰어난 프랑스 수도의 예술 지구인 몽마르트르의 유명한 파리 지역에 살고 있습니다. 파리의 일상은 또한 그의 가장 인기 있는 모티브 중 하나입니다. 파리의 카바레나 물랑루즈 주변의 홍등가 풍경입니다.
마크 샤갈
마크 샤갈은 1887년 벨로루시에서 Moïche Zakharovich Shagalov라는 이름으로 태어났지만 1937년에 프랑스 시민권을 취득했습니다. 그는 1985년에 사망했습니다. 샤갈은 XNUMX세기의 경향에 어울리지 않지만 초현실주의와 원시주의의 요소를 사용합니다. 오늘날, 마크 샤갈은 XNUMX세기의 위대한 화가들에 대한 수많은 전시회의 일부입니다.
폴 클레
유명한 예술가 Paul Ernst Klee는 1879년 베른 주에서 태어나 1940년 스위스의 이탈리아어 사용 지역인 티치노에서 사망했습니다. 그의 아버지는 독일인이고 어머니는 스위스인이었습니다. 화가이자 그래픽 아티스트는 창작 기간 동안 매우 생산적이었을 뿐만 아니라 예술과 그림에서도 매우 다양했습니다.
따라서 그의 작품은 표현주의, 구성주의, 입체파, 원시주의 및 초현실주의와 같이 완전히 다른 예술적 운동에 할당될 수 있습니다. 그건 그렇고, Paul Klee는 Wassily Kandinsky의 친구였으며 그와 마찬가지로 Klee는 1921년부터 Weimar의 Bauhaus에서 그리고 나중에는 Dessau에서 가르쳤습니다. 나치가 권력을 장악한 후 그는 해고되고 베른으로 돌아갔다.
바실리 칸딘스키
유명한 화가 중에는 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)가 있습니다. 그는 1866년 모스크바에서 태어나 1944년 프랑스 뇌이쉬르센에서 사망했습니다. Paul Klee, Franz Marc와 같은 다른 유명한 화가와 함께 그는 "Blauer Reiter" 예술가 그룹의 일원이었으며 함께 창립했습니다. Neue Künstlervereinigung München(뉴 뮌헨 예술가 협회)의 반대 운동 또는 파생물로서 Franz Marc와 함께.
따라서 그의 스타일은 표현주의에 할당 될 수 있습니다. 그는 또한 다른 유명한 화가들과 함께 추상 미술의 선구자 중 한 사람이었습니다. 이미 언급했듯이 그는 바이마르의 바우하우스와 데사우에서도 교사로 일했는데, 그곳에서 그와 파울 클레는 바우하우스 교사 하우스의 거주자 중 한 명이었습니다. 국가 사회주의자들이 바우하우스를 폐쇄한 후(1933), 칸딘스키는 아내와 함께 프랑스로 이주했습니다.
유진 드라크 루아
프랑스 화가 Eugène Delacroix는 1798년에 빛을 보고 1863년에 사망했습니다. 그는 특히 XNUMX세기 낭만주의에 영향을 미쳤습니다. 무엇보다도 프랑스 국가는 화가에게 수많은 초상화를 그려달라고 의뢰했지만 건축 및 장식 작업도 맡았습니다. 그의 그림 "Liberty Leads People"은 프랑스 역사상 가장 유명한 그림 중 하나이며 현재 파리의 루브르 박물관에서 감상할 수 있습니다.
잭슨 폴락
잭슨 폴록은 미국의 화가이자 추상 인상주의의 지도자였습니다. 그는 캔버스에 물감을 붓거나 떨어뜨리는 독특한 드립 페인팅 기법으로 유명한 화가 중 한 명입니다. 폴록은 1956년 자동차 사고로 목숨을 앗아간 알코올 중독으로 유명했습니다.
그의 가장 유명한 그림 중 하나인 5번(1948)은 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나입니다. 잭슨 폴록은 그의 혼돈스러운 방식으로 훌륭한 통제력과 철칙을 보여주었습니다. 이 그림은 이제 회색, 갈색, 노란색, 흰색이 서로 얽혀 있기 때문에 "새 둥지"라는 이름으로 더 잘 알려져 있습니다.
구스타프 클림트
그는 명백한 에로티시즘, 다양한 벽화, 스케치 및 정물에 대한 작업으로 가장 잘 알려진 오스트리아 상징주의 화가였습니다. 여성의 몸을 묘사하는 것 외에도 클림트는 부분적으로 일본 미술의 영향을 받은 풍경과 장면을 그렸습니다.
그의 가장 유명한 작품 중 하나는 그의 황금 시대의 위대한 작품 중 하나 인 Kiss입니다. 그의 작품의 이 기간은 종종 실제 금박을 사용하는 그의 가장 인상적인 그림에서 금색 색조를 훌륭하게 사용하는 것으로 유명합니다.
Kazimir Malevich
흥미롭게도 가장 유명한 러시아 예술가는 Kazimir Malevich라고 부를 수 있습니다. 러시아 회화 학교가 대중 관객의 기억 속에 수십 개의 이름(Repin, Aivazovsky, Vereshchagin 등)을 부여했음에도 불구하고, 그의 전통의 계승자라기보다 고전 회화의 해체자였던 한 사람이 남았습니다. 그의 매체의 유명한 화가 중 한 명.
카지미르 말레비치는 어떤 면에서는 모든 현대 미술의 아버지를 의미하는 슈프리마티즘의 창시자입니다. 그의 작품 Black Square는 1915년에 전시되었고 프로그램화되었습니다. 그러나 Malevich는 Black Square 때문에 유명한 화가가 아닙니다. 그는 Meyerhold의 그로테스크한 공연에서 프로덕션 디자이너로 일했고 또 다른 위대한 예술가인 Marc Chagall이 작업을 시작한 Vitebsk의 아트 스튜디오를 이끌었습니다.
장 프랑수아 밀레
프랑스 화가 Jean-François Millet의 작품은 사실주의 운동의 일부입니다. 그의 그림과 캔버스는 일상 생활, 주로 북유럽의 시골 풍경을 묘사합니다. 그의 농민 배경은 시골 생활을 보편적인 삶의 방식으로 제시하고 인류를 이상화하는 경향이 있습니다. 내면의 고귀함을 발산하는 프랑스 농민들을 보여준다.
인민에 대한 정치적 입장으로 잘못 여겨지는 그의 그림은 그의 개인적인 경험과 농촌에 대한 애착을 반영할 뿐이며, 서민에 대한 화가의 관심은 피사로, 모네, 반 고흐와 같은 예술가들을 매료시킬 것입니다.
그의 스타일, 특히 밝은 팔레트, 활기찬 스트로크, 파스텔에 대한 선호는 인상파에 깊은 영향을 미쳤습니다. Jean-François Millet은 상대적으로 빈곤한 생활을 하며 생계를 유지하며 초상화를 그렸습니다. 그의 아들과 손자는 조경 디자이너입니다.
존 싱어 사 젠트
존 싱어 사전트(John Singer Sargent)는 당대 가장 위대한 미국 초상화 화가 중 한 사람으로 자리 잡았으며 재능 있는 풍경화가이자 위대한 수채화가로도 인정받았습니다. 사전트는 이탈리아 플로렌스에서 미국인 부모 밑에서 태어나 이탈리아와 독일에서 공부한 다음 파리에서 초상화가인 Emile Auguste Carolus-Duran의 영향을 받아 공부했습니다. 그는 Claude Monet이나 Paul Helleu와 같은 당대의 위대한 예술가들과 가깝습니다.
세기의 전환기에 John Singer Sargent는 유럽과 미국의 통치자와 상류 계급의 초상화 화가였습니다. 아첨하는 사실주의의 초상화는 사회의 이미지를 복원합니다. 사전트의 가장 대표적인 초상화는 대상의 특이성과 개성을 보여줍니다. 그의 스타일은 그의 비방자 중 일부조차 놀라게 하는 탁월함의 균일성으로 특징지어집니다.
1907년 그는 초상화 촬영을 중단하고 XNUMX차 세계 대전 중 군대 생활의 풍경과 장면에 집중하겠다고 발표했습니다. 그의 경력 동안 그는 약 XNUMX개의 캔버스와 XNUMX개 이상의 수채화뿐만 아니라 수많은 스케치와 그림을 만들었습니다.
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